「共生」の森―「イコロの森ミーツ・アート2021」によせて ②

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さて、それでは出品作家と作品について見てゆきたい。本展の出品作家は、會田千夏 、五十嵐ユースケ、上ノ大作、川上りえ、キシモトユキオ、澁谷俊彦、中村修一、林亨、菱野史彦、八子直子の10名である。このうち澁谷、中村、菱野は2019年の第1回展に続いての参加。會田、五十嵐、川上、キシモト、林は2020年のWeb展からの参加となった。菱野はWeb展には参加していないので、3回すべてに参加しているのは澁谷と中村の2名だけということになる。第1回展が5名だったのに対して、Web展では10名となり、このまま拡大する方針かと思いきや、第3回展でも10名が維持された。歴史が証明しているように、この種の展覧会は拡大するにつれて大味となり、初志も失われてゆきがちである。あくまで少数精鋭を「厳選」して臨むのは、初志を貫徹しようという澁谷の強い意思の表れだろう。

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メイン会場の森に足を踏み入れると、まず菱野史彦の《生命の廻廊》が出迎えてくれる。連結された平行する2本の鉄の帯が、波打ち、ねじくれながら、メビウスの帯を想起させるいびつな円環を成している。円環は菱野が得意とするモチーフで、第1回展でも円環を垂直方向に屹立させた《巡る》を出品していたが、筆者にはその正円の造形が、内向性や閉鎖性を助長しているように見えてしまう点が気がかりであった。しかし本作では、《巡る》と同様に円環を基本としながらも、三次元的に躍動するフォルムによって、周囲の空間との接点を手探りで探るような調和への意思がより強く感じられた。シラカバに巻きつけるようにした配置も、筆者には好感が持てた。この現場に立った菱野が感じた光や風、木々の息吹を追体験するような爽やかな感覚が得られ、本展の冒頭にふさわしい作品であるように思われた。

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菱野の作品越しに林の奥へと目を向けると、キシモトユキオの《わたしのいばしょ》の威容が目に飛び込んでくる。鳥籠を模した巨大な造形もさることながら、生の木材の色が林のなかでひときわ異彩を放つ点が、まずは興味深かった。本作の根底には、世界のどこかに外界と隔絶した自分だけの居場所があり、そこで息を潜めていれば災禍はやがて去りゆくという希望に満ちた物語がある。しかし、それが希望のようで実はそうではないことは、他ならぬキシモト自身が知っている。コロナ禍をやりすごす最善の手段はすべての交わりを断つことに違いないが、《わたしのいばしょ》が出入り可能な格子状の構造によって外界とのつながりを保ち、灯火が自分の位置を知らせる灯台のごとく籠の頂に灯されているのは、それが原理的に不可能であり、また決して幸福な方法ではないことの暗示だろう。メルヘンチックな造形とは裏腹に、現実世界のジレンマを鋭く突いた作品と言える。

 

倒木によって跡づけられた森の道―これは順路であると同時に、道以外の場所を来場者がいたずらに踏み荒らさないようにするための結界であると思われる―をたどり、さらに奥へと踏み入ってゆくと、八子直子の《鎮守》に行き着く。倒木で囲われた一角に、古びた椅子やその座板を並べた参道、木箱の祠、枯れ枝を積み上げた築山などが設けられ、原始的な祭祀場のような体を成している。所々に散りばめられた小さな丸い鏡や、蔓に巻きつけられた毛皮などが呪術的な雰囲気をさらに助長する。八子は本作に森への感謝と畏怖の気持ちを込めたというが、むしろ筆者が強く感じたのは、子どもの秘密基地遊びにも似た、自分が望むままの世界を創造しようとする遊戯性である。子どもの遊びには原初的な宗教的情操が表れるとしばしば指摘されるが、本作を眺めると、森の懐に抱かれながら自由に戯れる八子の姿が目に浮かぶようである。《鎮守》を左手に眺めつつさらに進むと、木々の合間を縫って、再び生の木の異彩が目につく。

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上ノ大作の《NET Work》である。三角錐を基本単位とした角材によるフレームワークに様々な色の糸を張り巡らせた本作は、上ノが近年手がける「Nest」シリーズの亜型にあたる。従来の「Nest」シリーズでは、主に竹ひごなどの硬質かつ弾性の高い素材を用いて、空間全体にはびこるようなダイナミックな立体造形を組み上げてきたが、本作では糸を用い、範囲も角材のフレームワーク内に限定して、閉鎖的な造形とした。蜘蛛の巣からの着想ということだが、上ノ自身も言及しているとおり、インターネットやソーシャルネットワーキングサービス（SNS）などの現代的な種々のネットワークも含意していることは明らかである。自生する木々の間にではなく、あえて周囲とは異質のフレームワーク内に糸を張り巡らせたのは、ネット世界の虚構性とそこに漂う閉塞感を視覚的に表現するためだろう。

 

五十嵐ユースケの《気付きの網》は、奇しくも上ノと同様に、「ネット」を題材とした作品である。ただし造形的には全くの対極で、周囲の空間との異質さを全面に出した上ノに対し、五十嵐は透明なテグスを用いて、注意しなければ見逃してしまう蜘蛛の巣のように、風景に溶け込むような作品とした。筆者が会場を訪れたのはちょうど雨の日だったため、雨滴をまとって本物の蜘蛛の巣のように美しくきらめく様子が印象的だった。五十嵐によると、これは此岸と彼岸との越境を防ぐ「セーフティーネット」であるとのことである。しかし、はたしてそうだろうか。網を織りなす糸はあまりにも細くて見落としがちであるし、網目からのぞく彼岸の風景は魅惑的だ。よく見ようと近づくことで、知らぬ間に越境していることもあり得よう。越境を誘う美しい罠。筆者には、そんな剣呑さを秘めた作品であるように感じられた。

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

五十嵐の対岸、森をぐるりと周遊する順路の内側には、中村修一の《emerge》の空間が広がる。中村は背丈の低い下草が密生するエリアを選び、植物の種や芽、胞子などを想起させる黒い陶のオブジェを、地面や倒木の上に配置した。型などを用いていないため、同じ形のオブジェはひとつもない。その不揃いな様子は、種として同一でありながらもわずかな遺伝情報の違いによって個体差が生じる、生命現象へのオマージュとも受け取れる。個々のオブジェの造形や設置方法は、中村がこの数年続けているスタイルの延長と見てよいだろう。ただし、第1回展ではオブジェを地面から10〜20cmほどの高さに配列してその存在を誇示していたのに対し、本展では、下草と一体化するほどの高さとして、環境との調和を目指した。継続してこの森と触れ合うことが中村の心境に「共生」への志向をもたらした証左として、興味深い変化だった。

　

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

中村と隣接したエリアに作品を展開したのが、澁谷俊彦である。第1回展に引き続き本展にも、ライフワークのひとつであり、「共生」や「生命循環」をテーマとした「Generation」のシリーズで臨んだ。苫小牧市周辺の森林土壌の多くは、1667年の樽前山の噴火による厚い火山礫層の上に10cm～100㎝未満の表土しか堆積していない未熟土のため、樹木が深く根を張ることができず、自重や風によって頻繁に倒木が生じ、倒木更新も盛んに起きる。入念な調査でこうした特質を突き止めた澁谷が、「イコロの森」を「Generation」の恰好の舞台としてとらえたのも自然な道理だろう。

 

本展の《Generation2021 origin-birth》の手法も、赤、青、黄 ピンクなどに彩色したプッシュピンやゴルフティーを、菌や粘菌、昆虫などの卵に擬態させるかのように倒木や地面に配置する、従来の「Generation」と同様である。彩色があまりに鮮やかなために初見では違和感が先に立つが、実際に配置されたピンの周辺を見渡すと、自然界にも同様の色彩が存在することに驚かされる。実際にその現場で筆者は、倒木に張り付く青い粘菌を、澁谷の作品の一部と見間違うことさえあった。澁谷の細かな自然観察の賜であるし、鑑賞者にこうした気づきを与えることも本作の主眼のひとつであろう。あたかも、自然に寄り添うためにはまず自然を知ることが肝要であると、澁谷に呼びかけられているようである。本展のテーマ「共生Symbiosis」を象徴する作品として、これ以上ふさわしい作品はあるまい。

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おびただしい数のピンを追って地面や倒木を這わせた視線をふと上げると、森の最奥を飾る川上りえの《Flat and Dynamism》に気がつく。木々の幹の一部を青く染めたこの作品に違和感なく入り込むことができるのは、あらかじめ澁谷の作品によって色彩の感受性が高められたせいでもあるだろうが、なにより、広大な範囲の木々をキャンバスに、地面から同じ高さの部位を彩色して、森のなかに一本の水平線を出現させた作家の自由な想像力に引き込まれるためだろう。この水平線の構想自体は、2020年のWeb展の《​Sea Level Rize》にすでに原型を認めることができる。タイトルの通り水面の表現を試みたもので、かつてこの地が海の底であったと仮想して、その虚構世界の状況を可視化した作品であった。《​Sea Level Rize》では水平線に黄色を用いていたが、本作では青色を用いてさらに水の印象を強めた（なお本作の彩色には、自然に害のない素材が選ばれていることを、念のため付言しておく）。それにしても、川上以外に誰が、この森の中で海を思い描くだろうか。虚構と現実をたやすく横断する作家の想像力には脱帽させられる。

　「イコロの森ミーツ・アート」は基本的には野外美術展として開催されているが、本展では、平面の作家も招き入れるためか、屋内の展示空間も用意された。会場となったのは「イコロの森」内の体験型研修・交流施設「森の学校」とガーデンカフェ「チセ」である。

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

「森の学校」に足を踏み入れると、會田千夏、キシモトユキオ、林亨の3名の作品が、窓外の森の景色を背景に、穏やかなハーモニーを奏でていた。林の《心を浮かべて（みずのもり）》は、その名の通り水を想起させる作品である。ただしそれは、雨や川、水たまりのように目視できる水ではなく、木々の内部に蓄えられた水、地面に染み込む水、水蒸気として空気中を漂う水のように、心に思い描くことでしかその存在に到達できない水の姿を描いたもののように思われる。林は他にも「チセ」の壁面に作品を展示しているが、とりわけ「森の学校」の大窓を挟んで展示された2枚の大作が、森の木立をサーマルカメラで撮影して得られた映像のようにも見えて興味深かった。本作を、人の視覚では捕らえきれない水の姿を、異なる視覚のシステム―心の目とでも言うべきか―で暴露しようとする試みであったとするのは、想像がすぎるだろうか。また本作には、林の作品にしばしば登場するドットも描かれている。林は、光のきらめきか、水の分子を想起させるそのドットを木球に置き換えて現実の空間に出現させ、それを窓外の地面に散りばめることにより、窓から見える景色を自身の作品と化した。絵画の空間と現実の空間、内の世界と外の世界とを交錯させるこの方法は、林の新機軸として注目しておきたい。

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

會田の《星の足跡》も林と同様に、窓を通じて内と外との交錯を生む作品であった。窓を挟んで置かれた木の枝が、その装置としての役割を果たしている。會田の視線の誘導は巧みである。景色の美しさにひかれて「森の学校」の大窓に近づこうとすると、否応なしに、視線の高さに設置された平面のオブジェに目が留まる。描かれているのは閉じた瞳か、果実か、はたまた獣か。答えを探してさまよう視線を、今度は、腰元ほどの高さの木の枝が下へと誘う。しゃがみこんで枝に視線を這わせると枝先の綿に気がつき、自然に、窓外の枝先の綿へと視線が移る。雑然とした列を成す窓外の枝の行く先を探ろうとすると、やがて視線は森の奥へと吸い込まれてゆく。視線の動きと連動して次々に物語が展開する仕掛けは、一冊の絵本のようで秀逸である。枝先の綿による表現が、八子が枝先につけた丸い鏡による表現と似通っているのは偶然だろうか。先に筆者は八子の作品に遊戯性を感じると指摘したが、あるいは會田の作品も同様の性質を持ち合わせているのかもしれない。キシモトは野外に設置した《わたしのいばしょ》のミニチュア版と、代名詞的な作品の《月のかけら》を持ち込み、林と會田との空隙を埋めた格好だ。とりわけ《月のかけら》と、會田の《星の足跡》との親和性は高く、本展のキュレーションの妙が垣間見える場面となっていた。

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こうして総覧してみると、本展では、会場の隅々にまで「共生Symbiosis」というテーマが浸透していたことがわかるだろう。ただしその表れ方は多様であった。例えば澁谷と川上のように、作品としては全く別種のものではあっても、色彩的なつながりによって互いの作品をより豊かに見せあう共栄のような場合もあれば、上ノと五十嵐のように、モチーフへの関心が響き合う共鳴のような場合もあった。意識的に実現された「共生」もあれば、無意識的偶然的に生じた「共生」もあっただろう。いずれにせよ、「イコロの森」への澁谷の共感と、この場で野外美術展を実現するべく奔走した澁谷と作家たちとの協同が実を結んだ結果である。素直に喝采を送りたい。

　

他方で今後の展望として、そもそも「共生」が、親和的な関係ばかりを指すわけではないという点には、留意しておかなければならないだろう。現に「ウィズコロナ」の時代を生きる我々は、いつ崩れるかもわからない危うい均衡を、日々の闘争によりなんとか維持しながら、ウイルスと「共生」しているわけである。そしてまた、歴史的に見れば、美術団体の集合と離散の繰り返しが、我が国の美術の進展を後押ししてきた側面が少なからずあったことからもわかるとおり、反発し、敵対することは、時に大きな推進力となり得るのである。そうした観点からすれば、本展には、競い合い、高め合うという関係―あるいはこれを「競生」と呼ぶことが許されるだろうか―がやや希薄に見えた。

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無論本展が、親和的な関係を生むことばかりを目的としていたわけではなかったことは、中村の森と一体化するような作品を中心に据える一方で、威容を誇るキシモトの作品をも許容する寛容さを示した例などからも、明らかである。そしてそのことは、本展の大きな希望に違いない。本展はまだ若い森である。今後ともそうした多様性を維持しながら、必要とあれば倒木更新を繰り返し、同じ方向に向かって伸びゆく豊かな森となることを願いたい。

 

　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　    　　　　　　

 

                                                                          門間仁史（もんまさとし／北海道立旭川美術館主任学芸員）

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