「イコロの森ミーツ・アート2024 展評」

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　1980年代以降、毎年のように北海道内のどこかで開かれてきた野外美術展だが、気がつけば、現在も続いているのはこの「イコロの森ミーツ・アート」ぐらいになってしまった。ほかには、帯広の真鍋庭園内で個展形式で年2回開催されている「森のギャラリー」が思いつく程度だ。1960年代末に米国などでおこったアースワークが、コマーシャルギャラリーやアートの商品化に対する異議申し立て的な性格を帯びていたことを想起すれば、野外美術展の興隆は、もともと商業ベースと離れたところで創作活動を行ってきた作り手の多い北海道らしい現象ともいえるが、作家の手弁当に頼る部分の大きい催しならではの限界もあるだろうことは想像に難くない。厳しい経済状況の中で助成や協賛を寄せる財団や企業にあらためて感謝するとともに、関係者の労苦には頭が下がる思いだ。

　さて、3年ぶりの開催となった「イコロの森ミーツ・アート」だが、このブランクの間には、自然と人間をめぐって、新型コロナウイルスの感染拡大のほかにもう一つ大きなトピックがあった。クマの出没の急増である。この原稿を書いているさなかにも、北海道猟友会が市町村からの出動要請を断るかどうかについて議論しているというニュースが報じられている。札幌でも、以前はクマ出没とは無縁と思われていた東区や、中央区の住宅地といった場所での目撃例が出てきた。イコロの森は、支笏洞爺国立公園の原生林と接しており、警戒しておくに越したことはないロケーションである。今回はあまり奥の方に作品が設置されず、森の入り口から目の届く範囲に点在する形式となったのはやむをえまいし、自然との共生を掲げるこの展覧会らしい措置だといえる。

　この事態について静かな問いかけをしたようにうかがえたのが五十嵐ユースケ「境界」。決してあからさまなスタイルではないが、枝などを素材に、人間がこのラインを越えて出ていかないようにとの思いが込められている。作者の「ここの住人は誰でしょう。これはクマ除けならぬ、人除けです」という言葉には考えさせられるものがある。

　一方、黄と黒の縞模様がついた「トラロープ」で木々の間をつないだのは、赤坂真一郎「Rope Roof Project 2024」。ハンガーがロープからつり下がり、いすが置かれている。もちろんロープでは雨露はしのげないことから、これは、参加者が想像力を働かせて参加し、想像の上で森に住んでみる作品だといえそうだ。

　五十嵐も赤坂も建築家だが、実際に建物を設計し建てるだけではなく、その手前の段階が大事だということを、気づかせてくれる。

　想像力の喚起という点では會田千夏「ツチトソラノスキマデノオハナシ」にも共通するものがあるだろう。タブローを屋外にそのまま持ってくるかわりにここでは、筆によるストロークが、束になって地面に置かれた枝がつくる線に変身している。訪れた人は、近くに元から生えているキノコや、虫や風とともに、そこから立ち上がってくる、どこか親しげでアンティームな空気に触れる。その空気感は、作家が描く絵画と共通するものがあるといえるかもしれない。

　一方、上嶋秀俊「水のきおく」と朝地信介「水鏡」は、作家がふだん制作している絵画作品を会場に持ち込み、画面の角度を90度変えて、上向きに設置した。上嶋は、曲線で囲まれた大小のパーツを不規則に、地面の上に点在させた。これは2022年の「第2回 朝里川 桜咲く現代アート展」で採った手法と同様だが、設置場所がよりワイルドな分、見る人に、大地や海、空で循環を繰り返す水の存在に気づかせるものになっているといえよう。

　朝地も画面を真上に向け、5個の箱型の上部に取り付けて、空を反射させるようにした。たまった水が、森を吹き抜ける風に波立ち、光をきらにめかせるさまは美しいが、それにとどまらず、日本画の岩絵の具が有する物質的な特性をあらためて感じさせることにもなっている。また、ふだんから、制作中の絵画を屋外にさらして風化させるといった手法を試してきたこの作者らしい作品だ。

　八子直子も絵画から出発し、個々のパーツを使いまわすインスタレーション作品を展開している。それぞれのパーツには作家や家族の記憶が刻まれている場合が多い。おそらく肝心なのは、その記憶の種明かしではなく、それらのひそやかなたたずまいが持つある種の普遍性というか、見る側との心理的な共振にあるだろう。そのひそやかさの中に、人為と自然との境界は融解していく。積まれた木の枝が作品の一部であるのか、元からあったものなのか、一見判然としないことがあるが、それはむしろ「自然の人工」という作者がつけた題の意図に沿った事態でもある。

　その八子の作品の中に小さな人形を提供したのがキシモトユキオ。木を主な素材としていすや家具を作る工房「Zoo Factory」を主宰する作者は今回、大小のパーツを木々の中に点在させ「月旅行」と名付けた。最も大きなパーツは、わずかに傾けて地上に置かれて、まるでいまにも発射される宇宙ロケットを模している。周囲の小さな木片のパーツは煙や蒸気のようだ。わたしたちはこれを見て童心にかえるだけでなく、宇宙空間から撮影された地球の画像をいま一度思い起こし、地球の有限性にあらためて思いをいたす必要がある。

　宇宙といえば菱野史彦「もゆる」も、はるかな空間の広がりを感じさせる立体造形を森の中に持ち込んだ。ドローイングのように自在に空間を飛び回る曲線も爽快だが、そのメインの曲線と曲線をつなぐ短い直線の間隔が不規則であることが目を引いた。そのランダムなリズムは、まさに自然のリズムともいえるだろう。

　中村修一は器を作らない異色の陶芸家。種子や胞子などを想起する形状をしたインスタレーション作品を展開しており、今回の「species」もそれを踏襲している。繁茂するシダ類に見え隠れするかのように広範囲にわたっておびただしい大小の黒いオブジェが地面に並び、あるいは高さが異なる棒の先に突き刺さるその様子は壮観だが、自然と人為とが共生できる範囲について問いを投げかけているようにも見える。

　上ノ大作も本来は陶芸家だが、近年は竹によるインスタレーションから、材料入手難のため、素材を、セーターをほぐした糸に変更している。今回の「KNIT-work」もそのタイプの作品で、色とりどりの毛糸が木と木の間に張り巡らされている。それ自体は、セーターをリサイクルショップに売った元の持ち主との関係を解きほぐしたものといえるが、もっと言えば、人間と人間の関係、あるいは人間と自然との関係性そのものの暗喩ともなっている。

　最後に、澁谷俊彦の「Sprouting / はじまりの時」に触れたい。従来、夏期間に野外で発表する場合は小さなピンを倒木などに差す「Generation」シリーズが多かったが、今回は同シリーズと「Snow Pallet」シリーズを合体させるような展開となった。「イコロの森ミーツ・アート」のテーマである「共生」に関して常日頃から誰よりも考察を巡らせているであろう作家であり、今回の若干の方針変更には、「目立たないように自然に隠れる」だけではなく「持続可能な範囲で自然を壊さずに利用し、自然と共存していく」という意思をあらためて明らかにする狙いがあるのだろうと思う。その範囲をはっきりさせるのは決して容易なことではないが、激しさを増す気候変動などを思えば、もはや他人任せにしておける段階ではあるまい。

　アートは直接的に自然を保護するものではないし、そういう目的が先に立つべきものでもないだろう。アートがひとつの触媒、あるいはきっかけとなって、鑑賞者が、共生・共存のために一歩を踏み出すことになれば良いのだろう。

　かといって、巨大なプロジェクトを立ち上げて莫大なエネルギーを費消しながら環境保護を訴えるような行為がもしあったとしても、それに対する違和感を、もはや消し去ることはできまい。今回の「イコロの森」は、ちょうどよい規模感で、わたしたちの脳裏に「共生」の呼びかけを刻んでくれた。

　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　梁井朗/美術ライター、北海道美術ネット主宰